ストリングス打ち込みのコツ！生っぽく響かせる手順とアレンジの基本

ストリングスが機械的に聞こえる最大の原因は、音量がまったく揺れていないことです。生の弦楽器は、弓を動かしている間ずっと音量が変化しています。

ベロシティを一定にしたまま音を並べると、この揺れが消えます。

高価な音源を買えば解決するとは限りません。同じ音源でも書き方で印象は変わるため、手持ちの音源のままでも改善できる余地が大きい領域です。

この記事では、機械的に聞こえる原因、弦楽器の編成と音域、音源の選び方、打ち込みの手順、奏法の使い分け、ミックスでの馴染ませ方をまとめました。

この記事の結論

• 機械的に聞こえる原因は、音量の揺れのなさと、発音のタイミングが揃いすぎていることです。
• ヴァイオリンの最低音はG3。ヴィオラはC3、チェロはC2、コントラバスはE1です。
• 音源はDAW付属や無料から始めてください。限界を感じてから投資する順番が現実的です。
• 和音は一つの鍵盤で押さえず、パートごとにトラックを分けて単音で書きます。
• ベロシティをフレーズの山に沿って散らし、発音のタイミングを数ミリ秒ずらします。
• CC1とCC11を曲線で書き込むと、ロングトーンに膨らみが生まれます。
• 全パートを常時鳴らさないでください。引き算がサビの開放感を作ります。

ストリングスの打ち込みが機械的に聞こえる原因

改善に入る前に、何が違和感を生んでいるのかを整理しましょう。原因が分かれば、対策も具体的になります。

音量がまったく揺れていないことが、最も大きな原因です。生の弦楽器は、弓を動かしている間ずっと音量が変化しています。

打ち込みでベロシティを一定にしたまま音を並べると、この揺れが消えます。結果として、平坦で電子的な響きになってしまうのです。

発音のタイミングが揃いすぎている点も違和感につながります。実際の合奏では、奏者ごとにわずかなずれがあります。

指揮者がいても、完全に同じ瞬間に音が出ることはありません。

音の立ち上がりが早すぎるのも、打ち込み特有の問題です。弦楽器は弓が弦を擦り始めてから音量が立ち上がるまでに、わずかな時間を要します。

この遅れを無視すると、鍵盤楽器のような硬い出音に。

和音の積み方が不自然というケースもよく見かけます。ピアノの感覚でそのまま押さえた和音を鳴らすと、各パートが人間には演奏できない跳躍をすることになります。

残響がまったくない状態も不自然です。弦楽器は本来、ホールという空間とセットで聞かれる楽器といえます。

これらは、どれも小さな要素です。しかし積み重なると、聴き手は理屈抜きに「作り物だ」と感じ取ります。

裏を返せば、一つずつ潰していけば着実に良くなっていくということです。

弦楽器の編成と音域を知っておく

打ち込みの前に、最低限の知識を持っておくと迷いが減ります。難しい理論は不要です。

弦楽合奏は基本的に4つのパートで構成されます。高い順に、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスです。

ヴァイオリンは第1と第2に分かれるため、実際には5パートで書かれることも多くあります。

ヴァイオリンは最も高い音域を担当し、主旋律を受け持つことが多い楽器です。開放弦の最低音はG3、つまりピアノの中央ドより下のソにあたります。

それより低い音は出せないため、注意が必要です。

ヴィオラは、ヴァイオリンより5度低い音域を持ちます。最低音はC3です。

目立つ音域ではありませんが、和音の内側を埋める重要な役割を担います。

チェロは最低音がC2で、豊かな低音から歌う高音域まで幅広く使えます。旋律を歌わせると、独特の説得力が生まれます。

コントラバスは最低音がE1です。書かれた音より1オクターブ低く鳴る点に注意してください。

打ち込み音源では自動で処理されている場合が多いものの、実演を想定するなら押さえておきたい知識です。

人数によって響きが変わることも覚えておきましょう。少人数のカルテットは輪郭がはっきりし、大編成は厚みと滲みが出ます。

バラードの後ろで静かに支えるならカルテット、サビで一気に開くなら大編成。先に決めておくと、音源選びも打ち込みも迷いません。

曲全体のなかでの置き方は編曲の基本にまとめました。

予算に合わせた音源の選び方

音源選びは悩ましいところです。ただ、高額なものが常に最適とは限りません。

まずは手持ちのDAW付属音源を確認しましょう。近年のDAWに同梱されているストリングスは、実用に耐える水準にあります。

付属音源の違いは個人アーティスト向けDAW比較で扱いました。

使い込む前に買い替えるのは、もったいない選択かもしれません。

無料音源にも選択肢があります。奏法の切り替えが限られるものもありますが、丁寧に打ち込めば楽曲の中で十分機能します。

まずは費用をかけずに技術を磨き、限界を感じてから投資する順番が現実的です。

手持ちの音源で足りないときは、音楽スタジオの使い方で触れている設備の活用も選択肢になります。

購入を検討する場合の判断基準を挙げておきます。

• レガートの音のつながりが自然か
• 奏法の種類がどれだけ用意されているか
• 少人数と大編成の両方が入っているか
• パソコンへの負荷が現実的な範囲か

最後の項目は見落とされがちです。多くのマイクポジションを収録した大容量音源は、動作に相応の環境を求めます。

手持ちのパソコンで快適に動くかを、購入前に必要環境の記載で確認しておきましょう。

なお、価格や仕様は変更される可能性があります。

セール時期を狙うのも現実的な工夫です。音源メーカーの多くは、年に数回の割引を行っています。

一つの音源を使い込むほうが、複数を浅く触るより上達は早くなります。どの鍵盤にどの奏法が割り当てられているかを、体で覚えるまで使ってみてください。

四声を積む手順とアレンジの基本

ここからは実際の打ち込みです。まずは和音の組み立て方から見ていきましょう。

一つの鍵盤に和音を押さえるのをやめるところから始めます。パートごとにトラックを分け、それぞれ単音で書いていく方法に切り替えてください。

手間は増えますが、この変更だけで響きが大きく改善します。

最初に一番低い声部を決めます。チェロとコントラバスに、コードの根音を置くのが基本です。

ここが定まると、上に積む音が決めやすくなります。

次に一番上の声部を作ります。ここが聴き手の耳に最も残る旋律線です。

歌の隙間を縫うように動かすと、ボーカルとぶつかりません。

内側を埋めるのは最後です。第2ヴァイオリンとヴィオラで、コードの残りの音を配置します。

ここで意識したいのが、声部がなめらかに動くことです。

前の和音から次の和音へ移るとき、各パートができるだけ近い音へ動くように配置します。すべてのパートが同じ方向へ大きく跳ぶと、機械的な響きになります。

低音域で音を詰めないという原則も覚えておきましょう。低い音域で3度の音程を重ねると、濁った響きになります。

低音側は間隔を広く、高音側は狭く配置してみてください。

全パートを常に鳴らさないことも大切です。Aメロはチェロだけ、Bメロでヴィオラを足し、サビで全員が入る。

引き算を先に考えると、サビの開放感が生まれます。

埋め尽くされた編曲より、余白のある編曲のほうが歌は立ちます。

ベロシティとタイミングで生っぽさを作る

打ち込みらしさを消す作業の中心が、この工程です。地味ですが、最も効果があります。

ベロシティを一定にしないことが第一歩です。同じ値が並んでいるノートを見つけたら、上下に散らしてください。

フレーズの山に向かって少しずつ上げ、収まるところで下げる。この起伏が、演奏している感覚を生みます。

フレーズ単位で考えるとやりやすくなります。4小節のまとまりの中で、どこが一番強いのかを決めてから数値を割り振ります。

発音のタイミングをずらすことも有効です。すべてのパートを同じ位置に置かず、数ミリ秒から数十ミリ秒の幅で前後させます。

低い楽器ほど発音が遅れるため、チェロをわずかに早めに置く方法もよく使われます。

ずらす量は、聞いて確かめながら調整してください。ずらしすぎると下手な演奏に聞こえるため、違和感の出ない範囲にとどめます。

音の立ち上がりを遅らせる処理も検討しましょう。柔らかい表情がほしい箇所では、アタックを少し鈍らせると、弓が弦を捉える感じが出ます。

音の長さも揃えないようにします。フレーズの終わりの音を少し長めに残す、次の音との間にわずかな隙間を作る。

こうした調整で、呼吸が生まれます。

入力方法そのものを変える手もあります。マウスで一音ずつ置くのではなく、鍵盤で弾いて入力すれば、ばらつきが自然に入ります。

同じフレーズを繰り返す場合は、コピーした後に必ず微調整を加えてください。まったく同じデータが2回鳴ると、機械的な印象が一気に強まります。

奏法の切り替えとエクスプレッションの使い方

音源が持つ機能を使いこなすと、表現の幅が一段広がります。

まず知っておきたいのが奏法の種類です。弓を滑らせ続けるレガート、一音ずつ短く切るスタッカート、指ではじくピチカート、細かく震わせるトレモロ。

それぞれ役割が異なります。

曲の場面で使い分けます。静かなAメロはピチカートで軽さを出し、サビはレガートで伸びやかに歌わせる。

緊張感を作りたい箇所ではトレモロ、といった選び方です。

一曲を通して同じ奏法だけを使わないことが、単調さを避ける近道です。

エクスプレッションのコントロールも欠かせません。ストリングス音源の大半は、CC1で音色の強弱が、CC11で音量が変わる仕組み。

この二つを書き込むかどうかで、印象がまるで変わります。

CC1は音の表情を作ります。数値を上げると、弓の圧力が増したような芯のある音になります。

フレーズの盛り上がりに合わせて曲線を描けば、歌うような表現になるはずです。

CC11は音量そのものを扱います。フレーズの終わりで自然に減衰させたいときに使うとよいでしょう。

書き込み方のコツは、直線を避けることです。カーブを描くように、少しずつ変化させます。

コントローラーがなければ、マウスで曲線を描いても構いません。

ロングトーンほど丁寧に扱ってください。長く伸びる音は、変化がないと最も打ち込みらしく聞こえる箇所です。

ここに膨らみを与えるだけで、説得力が変わります。

ミックスでストリングスを馴染ませるコツ

打ち込みが仕上がったら、他の楽器と一つの空間に置く作業に入ります。

まず、定位を広げます。すべてのパートを中央に置くと、団子になって埋もれます。

オーケストラの配置を参考に、第1ヴァイオリンを左、第2ヴァイオリンをやや左、ヴィオラを右寄り、チェロを右に置く方法が一般的です。

音源によっては、収録時点で位置情報が含まれている場合があります。その場合は、無理に動かさないほうが自然にまとまります。

リバーブは必須と考えてよいでしょう。ホール系を深めにかけると、一気に本物らしくなります。

他の楽器と同じリバーブに送る方法をおすすめします。個別に違う残響をかけると、それぞれが別の場所で鳴っているように聞こえてしまいます。

低域の整理も重要です。チェロとコントラバスの帯域は、ベースやバスドラムと重なる位置です。

帯域の整理はEQミックスの基本と使い方、まとめて処理する考え方はバス処理とは？で解説しています。

ストリングス側の低域を軽く削ると、リズム隊の輪郭が保たれる形です。

中高域の処理にも触れておきます。打ち込みのストリングスは、耳に刺さる帯域が強く出ることがあります。

3kHz付近を少し抑えると、聞き疲れしにくくなります。

音量は控えめにが基本です。単体で聞いて「少し小さいかな」と感じるくらいが、全体では丁度よく収まります。

最後にモノラルで確認しましょう。広げた定位が崩れて音が消えないかをチェックできます。

スマートフォンのスピーカーで聞かれる場面を考えると、この確認は無駄になりません。

ストリングス打ち込みのよくある質問

打ち込んだストリングスが機械的に聞こえます

音量が揺れていないことが最大の原因です。生の弦楽器は弓を動かしている間ずっと音量が変化しているため、ベロシティを一定にすると平坦な響きになります。

フレーズの山に沿って数値を上下させてください。

高い音源を買えば解決しますか？

限りません。同じ音源でも書き方で印象は変わります。

まずはDAW付属や無料の音源で技術を磨き、限界を感じてから投資する順番が現実的です。

各楽器の音域はどこまでですか？

ヴァイオリンの最低音はG3、ヴィオラがC3、チェロがC2、コントラバスがE1です。それより低い音は出せないため、打ち込む前に確認してください。

コントラバスは書かれた音より1オクターブ低く鳴ります。

和音はどう打ち込みますか？

一つの鍵盤で押さえず、パートごとにトラックを分けて単音で書いてください。ピアノの感覚でそのまま押さえると、各パートが人間には演奏できない跳躍をすることになります。

CC1とCC11は何が違いますか？

ストリングス音源の大半で、CC1は音色の強弱、CC11は音量を担当します。どちらも直線ではなく曲線で書き込むと、ロングトーンに膨らみが生まれます。

編成は何人がよいですか？

音の性格で選んでください。少人数のカルテットは輪郭がはっきりし、大編成は厚みと滲みが出ます。

バラードの後ろで静かに支えるならカルテット、サビで一気に開くなら大編成です。

音が濁ってしまいます

低域で音を詰めすぎている可能性があります。低音から順に積み、内声はなめらかに動かしてください。

チェロとコントラバスの帯域はベースやバスドラムと重なるため、ミックスで整理が要ります。

ストリングス打ち込みのコツのまとめ

ストリングスの打ち込みのコツについて、押さえておきたいポイントを整理します。

• 機械的に聞こえる原因は、音量の揺れのなさとタイミングの揃いすぎにある
• ヴァイオリンの最低音はG3。各楽器の音域を外さないよう確認する
• 音源は付属や無料から始め、限界を感じてから投資する順番が現実的
• 和音は一つの鍵盤で押さえず、パートごとにトラックを分けて単音で書く
• 低音から順に積み、内声はなめらかに動かす。低域で音を詰めない
• 全パートを常時鳴らさず、引き算でサビの開放感を作る
• ベロシティを散らし、発音のタイミングを数ミリ秒ずらす
• レガートやピチカートなど奏法を場面で使い分ける
• CC1とCC11を曲線で書き込み、ロングトーンに膨らみを与える

まずは今ある曲のストリングストラックを開き、並んだベロシティの数値をフレーズの山に沿って上下させてみてください。